Inhalt

Mallory und Mickey lernen sich zufällig bei Mallory zuhause kennen. Mickey ist Fleischlieferant und bei einer Lieferung an Mallorys Vater (Rodney Dangerfield) verliebt sich das ungleiche Paar auf ersten Blick ineinander. Da die junge Frau nichts in ihrem Zuhause hält, wo sie täglich gedemütigt und von ihrem Vater missbraucht wird, ziehen beide in dem gestohlenen Wagen von Mallorys Vater los. Viel zu schnell kommt ihnen jedoch die Polizei auf die Spur, die Mickey wegen Autodiebstahl festnimmt. Doch schnell kann er fliehen und nachdem sie zu zweit Mallorys Familie ausgelöscht haben, ziehen beide, mittlerweile verheiratet, durch die USA und ermorden, was ihnen vor die Fäuste, Klappmesser und Gewehrläufe kommt. Zwar ist ihnen die Polizei schnell auf den Fersen, doch das Knox-Paar ist ihr immer einen Schritt voraus. Dies führt dazu, dass das Mörderpärchen zu den Idolen einer ganzen Generation avanciert. Schnell werden die zwei nicht mehr nur von der Polizei, sondern auch von den Medien gejagt. Allen voran der Sensationsreporter Wayne Gale (Robert Dawney Jr.), der es sich in den Kopf setzt, das Exklusiv-Interview seines Lebens zu drehen – mit Mickey und Mallory Knox vor der Kamera.

“Ich bin von Natur aus der geborene Killer!”

Kritik

Dass „Natural Born Killers“ mehr ist, als ein 0 8/15-Actionfilmchen, wurde bereits zu Premierenzeiten im Jahre 1994 deutlich. Der hohe Gewaltgrad und noch viel eher die überdeutliche Gewaltverherrlichung sorgten schnell dafür, dass der Streifen, dessen Original-Drehbuch von niemand geringerem als Quentin Tarantino stammt, in vielen Ländern auf den Index gesetzt wurde. Doch es ist weniger die Literanzahl an Kunstblut, die in den 117 Minuten von „Natural Born Killers“ vergossen wird, als vielmehr die fast schon brachiale Verehrung zweier kaltblütiger Killer, die aus Oliver Stones Werk das machen, was es ist: einen Skandal!

Es beginnt mit der Darstellung der beiden Hauptakteure. Würde man sie als Protagonisten bezeichnen, wäre es nicht falsch und würde zugleich die Kontroverse des Films untermauern. Man griff auf Woody Harrelson („No Country for Old Men“, „Zombieland“) in der männlichen Hauptrolle zurück. Er ist brillant besetzt in seiner Rolle des schmierigen, widerwärtigen Typen. Ein Killer, wie er im Buche steht, zeitgleich jedoch unheimlich sensibel, im wahrsten Sinne des Wortes. Seine Liebe Gegenüber Mallory ist grenzenlos und enthält teilweise Ansätze von wahnhaften Zügen. Selbiges gilt für Mallory, wenn auch sie offener mit eventuellen Konfliktherden wie Eifersucht und Misstrauen umgeht. So ist sie häufig diejenige, die Streits über den Zaun bricht, die zum Großteil auf Missverständnissen zwischen den beiden beruhen. Juliette Lewis („From Dusk til Dawn“, „Starsky und Hutch“) legt ihre Rolle als Mallory wesentlich zerbrechlicher an, als Harrelson es bei Mickey tut, umso eindringlicher ist daher ihre Darstellung als mordlustige Killerin. Doch vor allem ihre Familiengeschichte und die unangenehm ausgeführte Darstellung selbiger beleuchten ihre gegensätzlichen Charakterzüge insofern, als dass Mallory nie zu einer Figur wird, deren Handeln im Kern widersprüchlich ist.

Robert Dawney Jrs („Iron Man“, „Sherlock Holmes“) Darbietung in seiner Rolle als Skandalreporter Gale ist überaus eindringlich. Seine überspitzte Darstellung eines sensationsgeilen Journalisten ist rabenschwarze Satire par excellence. Zwar droht Dawney Jrs Rolle ab und an ein wenig an ihrer Komik zu ersticken und den satirischen Kern aus den Augen zu verlieren, überwiegend gelingt dem „Iron Man“-Darsteller jedoch der schwierige Spagat zwischen dem sinnbildlichen Schlag ins Gesicht des Publikums und der fiesen Komik, den seine Figur birgt.  Auch all die anderen mehr oder weniger großen Nebenrollen sind allesamt ähnlich angelegt wie die des Wayne Gale. Oberflächlich komisch mit einem äußerst ernsten Kern. Einzig Jack Scagnetti, die Rolle des sadistischen Polizisten, gespielt von Tom Sizemore („Black Hawk Down“, „Pearl Harbour“), hat genau das Problem, welches sich bei Dawney Jrs Rolle bereits andeutete: seine Darstellungen sind zum Großteil eine Spur zu krass, sodass seiner Rolle die Düsterness abhandenkommt und der humoristisch oberflächliche Teil in vielen Fällen für sich alleinstehend bleibt. Doch ein grandioser Rodney Dangerfield („Casper“, „Little Nicky – Satan Junior“), der als bitterböser Vater von Mallory Knox so eindringlich spielt, dass es einem die Kehle zusammenschnürt, gleicht die kleinen Ungereimtheiten in Sizesmores Rolle wieder aus.

Durch was „Natural Born Killers“ jedoch am meisten ins Auge springt, ist eine an Musikvideos und Comics erinnernde Schnittweise, die auch gestandenen Actionfans, die bei den „Crank“-Filmen gähnten oder „Planet Terror“ zum Einschlafen fanden die Schuhe auszieht.  Während andere Filme zu einem Großteil der Laufzeit einfach drauf halten, so springen die Einstellungen bei „NBK“ nur so hin und her. Länger als zehn Sekunden hält sich eine Einstellung nicht und um dieser schnellen Schnittart noch eine Extra-Spur Crazyness einzuhauchen, ließ man sich nicht nur die Ansichten, sondern vor allem die Sichtweisen abwechseln. Das Bild wechselt mehrmals pro Minute von einer Farbgebung zur nächsten. Das klassische Farb-Bild wird in der nächsten Einstellung schwarz-weiß – Schnitt! Anschließend folgt ein unangenehm aufdringlicher Rotfilter – Schnitt! Von Rot wechselt man zu Grün, zwischendurch ein gezeichneter Comic-Strip. Das Tempo, in welchem sich diese Stilmittel abwechseln, ist halsbrecherisch. Ein genaues Betrachten der Bilder ist nicht möglich. Vielmehr haut Oliver Stone dem Betrachter hier die Bilder nur so um die Ohren, die zu verarbeiten man erst nach dem Abspann versuchen sollte.

Eine derartige Achterbahnfahrt findet man vielleicht ansatzweise bei Mark Neveldines und Brians Taylors anarchischem „Crank 2“, in dem ein Auftragskiller in bester Videospieloptik durch die Straßen L.A.s hetzt, um mithilfe von Elektroschocks und anderen technischen Spielereien sein künstliches Herz am Schlagen zu erhalten, dennoch bestach dieses Actionfeuerwerk mehr noch durch seine insgesamt wahnsinnig hohe Geschwindigkeit. „NBK“ hingegen zieht das Tempo nicht derart an, wie man es vielleicht durch die schnelle Schnittfolge annehmen mag. Eine Hektik entsteht nur durch die rasanten Bildabfolgen. Nicht durch ein hohes Erzähltempo. Gerade hierdurch wirken die Bilder auf unangenehmere Weise abgehetzt, als durch reine Tempoanzüge. Dass hierdurch allerdings zu keinem Zeitpunkt Längen entstehen, ist selbstredend, wenn auch dem Streifen einige Verschnaufpausen nicht unbedingt schlecht zu Gesicht stehen würden. So wurde „Natural Born Killers“ zu einem Actionfilm, dem man sich, einmal begonnen, nicht abwenden kann, da einem einfach keine Gelegenheit dazu gegeben wird.

Neben der Farbgebung und Schnittweisen im Allgemeinen sind es vor allem die auf Biegen und Brechen vollgepackten Bilder, die „Natural Born Killers“ von bereits gesehenem Filmmaterial abheben. Ins Nirgendwo projizierte Filmfetzen, die aus ansatzweise realistischen Szenerien wieder absolut absurde Traumsequenzen machen, von denen man nie weiß, was sie zu sagen haben, geschweige denn, ob sie für die Handlung überhaupt von Belangen sind. Was bleibt, sind viele Fragezeichen über den Köpfen der Betrachter. Filmfreunde, die sich hinter jeder Szenerie eine nachvollziehbare Daseinsberechtigung wünschen, die sollten um diese kreativen Ergüsse von Oliver Stone einen großen Bogen machen.

Doch unter all die actionreichen und brutalen Absurditäten mischt sich bei „Natural Born Killers“  auch eine äußerst dramatische, wie romantische Liebesgeschichte. Natürlich rückt sie enorm in den Hintergrund von all der Gewalt, die „NBK“ bietet, dennoch misst man ihr zum Großteil nicht genügend Aufmerksamkeit bei. Im Grunde ist der Film noch viel mehr eine dramatische Liebesgeschichte, als sinnloses Rumgeballer. Denn der ganze Plot würde nie dermaßen in actionreiche Fahrt kommen, wenn die Liebe zwischen Mickey und Mallory nicht sich derart selbstaufgebende Züge bei beiden Protagonisten annehmen würde. Die Leidenschaft zwischen den beiden ist das, was das Killerpärchen antreibt. Die derartige Abhängigkeit der beiden voneinander gipfelt schließlich in der Selbstaufgabe Mallorys, als diese, getrennt von Mickey, eine Gefängniszelle bezieht. Während romantische Komödien das Protagonisten-Paar nette Dinge unternehmen lassen, leidenschaftliche Sex-Szenen zeigen und beide miteinander lachen und rumalbern lassen, so wird das auch hier getan: doch aus den „netten Dingen“ wird das Ermorden von Mitmenschen, Sex-Szenen gibt es, nur rücken sie in den Hintergrund und auch Mickey und Mallory lachen gemeinsam, nur wirkt es vor dem Hintergrund der Blutspur, die die beiden hinter sich zurücklassen, mehr makaber als harmonisch.

Ab dem Punkt, an dem Mickey und Mallory zu Gesellschaftslieblingen aufsteigen, gesellt sich zur Action- und Romantikhandlung auch noch der satirische Teil in „Natural Born Killers“. Denn aus den beiden werden Stars, die von der Polizei zwar gehasst, von Medien und Publikum aber umso mehr geliebt werden. Natürlich ist das in-den-Himmel-heben derartiger Gewaltverbrecher der Gipfel des satirischen Eisbergs, allerdings zeigt es nur allzu deutlich die Sensationsgier der Massenmedien, die für gute Verkaufszahlen lieber einen die-Hand-zum-Hitlergruß-hebenden Massenmörder auf die Titelseite drucken, als das Ergebnis des Fußball-Länderspiels vom vergangenen Abend. Dass schließlich aus dem gierigen Reporter ein ebenfalls glühender Fanatiker der Knox-Lover wird, nimmt dem Spannungsbogen ein wenig die Glaubhaftigkeit, doch die auf die handfeste Prügelei zwischen Mickey und der Polizei-draufhaltenden Kameras und das mit ihm geführte Interview zur besten Sendezeit sind der aktuellen Realität mittlerweile näher, als sie es damals vor 18 Jahren noch waren. Dieser Gruselfaktor erschloss sich dem Publikum erst über die Jahre und macht „Natural Born Killers“ heute noch eine Spur grausamer, als bei Erscheinen 1994.

Um nun wieder an den Ausgangspunkt dieser Kritik zurückzufinden, hier nun mein Fazit: „Natural Born Killers“ ist vor allem eins: böse! Er ist eine niederträchtige Aneinanderreihung von ultrabrutalen Gewalttaten, äußerst derber Wortwahl und einem den Atem raubende Kamerafahrten und Schnitten. Trotz allem besitzt der Streifen Kultcharakter, da er unter all der Gewalt nur allzu deutlich Züge einer Mediensatire zeigt, die im Laufe der Zeit mehr und mehr an Aktualität gewann. Die Indizierung des Films kann ich zum Teil nachvollziehen, da sich das mordende Pärchen durch seine leidenschaftlich unbedarfte Beziehung und ihren steigenden Medienruhm perfekt als Identifikationsfigur eignet, was Medienwächter auf die Barrikaden brachte. Und doch ist „NBK“ ein Kultstreifen, der allein durch seine künstlerische Gestaltung alles in den Schatten stellt, was vor- oder nachher zu optimieren niemandem so recht gelang. Damit sollte allein um des Erlebens Willen jeder halbwegs „mutige“ Zuschauer sich diesem LSD-Achterbahn-Trip hingeben. Auch, um nur zu sagen, dass er ihn überlebt hat.

 BluRay oder DVD?

Das Problem bei der Heimkino-Variante von „Natural Born Killers“ ist die hohe Anzahl an Versionen. Aktuell kursieren drei verschiedene DVD-, sowie eine Blu-ray-Version des Streifens, die sich in den Beschreibungen unterscheiden. Da wäre die „Uncut“-Version aus dem Hause „Crest Movies“, die zwar tatsächlich ungeschnitten, dafür mit einer neuen, deutschen Synchronfassung daherkommt, die nicht mit der Ur-Synchronfassung von 1994 übereinstimmt. Eine zweite Version von „Crest Movies“ von 2010 enthält die Original-Tonfassung, dafür leider auch einige Kürzungen seitens der FSK. Die einzige Fassung, die die Synchronfassung von 1994 enthält und zudem keine Schnitte über sich ergehen lassen musste, ist die DVD aus dem Hause „Warner Home“, ebenfalls von 2010. Diese ist als DVD und als Blu-ray-disc erhältlich, jedoch nehmen sich in Ton- und Bildqualität beide nichts.

„Die ersten Minuten dieses Films möchte man so, wie sie sind, ins Museum stellen.“, schrieb die FAZ zu Lars von Triers neustem und vielleicht bestem Meisterwerk „Melancholia“. Damit stand die „Frankfurter Allgemeine“ nicht alleine da mit ihrem Lob – Kritiker überschlugen sich in ihrer Begeisterung über das melancholische Endzeitdrama, das den Zuschauer mit seiner Bildgewalt umhaut und sich in seiner Dramatik nahezu selbst die Luft abschnürt. Doch was verbirgt sich tatsächlich hinter all der Lobhudelei? Tatsächlich ein Meilenstein in der Filmgeschichte, oder ein überschätztes Kritikerfilmchen? Die Antwort darauf in meiner neusten Kritik. 

Inhalt

Justine (Kirsten Dunst) und Michael (Alexander Skarsgård) sind glücklich – denn sie sind seit wenigen Stunden verheiratet. Da macht es auch nichts, dass auf dem Weg zum Schloss, in welchem die Hochzeitsfeier stattfinden soll, einiges schief geht. Dort angekommen erwartet die beiden Justines Schwester Claire (Charlotte Gainsbourg). Sie ist die ruhigere der beiden Schwestern und schafft es nicht, sich von der lebensfrohen Justine von ihren melancholischen Stimmungen ablenken zu lassen. Doch im Laufe der Feier ändern sich die Rollen: Justine verliert ihr Lächeln, entwickelt innerhalb kürzester Zeit schwere, depressive Züge, wohingegen Claire langsam aufzutauen beginnt. Dennoch kommt es zu einem Eklat: vor versammelten Gästen wird Justine von ihrer Mutter bloßgestellt, sie verliert ihren Job und je später der Abend, desto unsicherer wird selbst Justines frisch angetrauter Ehemann, in ihr die Frau seines Lebens gefunden zu haben; er trennt sich. All dies scheint unmittelbar mit Melancholia – einem Planeten, welcher in direkter Nähe zur Erde kreist – zusammenzuhängen. Melancholia ist der Erde mittlerweile ziemlich nah gekommen und es scheint, als stünde ein Zusammenprall zwischen den beiden Planeten schon bald bevor. Dieser Zustand versetzt Claire zunehmend in Angst, während Justine in ihrer Obhut wieder aufblüht. Doch ein Happy End scheint im Laufe der Zeit immer abwegiger…

“Da ist er – euer Vorbeiflug!”

Kritik

Fernab vom Mainstream-Popcornkino schuf Lars von Trier („Dogville“, „Antichrist“) einen künstlerisch anspruchsvollen Arthouse-Film, dessen vorrangige Stärke die überaus ästhetische Optik ist. Allein die ersten zehn Minuten präsentieren sich wie ein verfilmter Bildband. Es passiert nichts, außer dass sich mal mehr, mal weniger mit dem Film in Verbindung bringende Bilder in einer auf’s Äußerste reduzierten Zeitlupe zeigen. Wie genau dieses Opening einzuordnen ist, bleibt unklar. Auf die Handlung bezogen, könnte man es sogar weglassen. Aus künstlerischer Sicht jedoch versprühen die Bilder eine ganz eigene, verneigungswürdige Vollkommenheit.

Nach dieser Anfangssequenz setzt der erste von zwei Handlungssträngen ein. In „Justine“ erzählt der Plot von der in einer Katastrophe endenden Hochzeitsfeier von Justine und Michael. Obwohl sich auf dem Bildschirm eine frohgestimmte Hochzeitsgesellschaft zeigt, ist eine die Luft abschnürende Tristesse allgegenwertig. Man sucht verzweifelt nach lächelnden Gesichtern, nach Menschen, die frohen Smalltalk führen, doch Fehlanzeige. Der prunkvoll geschmückte Festsaal ist lediglich Fassade einer Gesellschaft, die einander nicht leiden kann, die lieber woanders wäre. So, wie es auch in der Realität immer wieder vorkommt, dass Menschen gute Miene zum bösen Spiel machen, zeigt „Melancholia“, was passiert, wenn jeder derart oberflächlich agiert und es keinen Kontrast dazu gibt – z.B. Menschen, die sich in der aktuellen Situation wohlfühlen. Somit zeigt sich die Hochzeitsgesellschaft ungeheuer ehrlich, wenngleich es einige Zeit braucht, um zu dieser Erkenntnis zu gelangen. Denn oberflächlich betrachtet, liegt es nicht fern, einfach alle Festgäste als „Spielverderber“ zu titulieren. Besonders gut gelingt diese Abgrenzung hierzu einer grandios agierenden Kirsten Dunst („Spider Man“, „Mona Lisas Lächeln“), da sie zum einen in ihren ersten zwanzig Spielminuten noch eine Frohnatur abgibt, in den nächsten zwanzig den Anschein macht, tatsächlich „nur“ eine Spielverderberin zu sein und schlussendlich von dieser zu einem seelischen Wrack wird. Während dieser emotionalen Wandlung (die dabei keineswegs einer Charakterwandlung gleich kommt), kommt es zu einem Rollentausch zwischen Claire und Justine, der ganz banal vom zweiten Handlungsstrang eingeläutet wird, der den Titel „Claire“ trägt.

Charlotte Gainsbourg („21 Gramm“, „Antichrist“), neigt in ihrer Rolle immer wieder dazu, sich einerseits hinter Dunst zu verstecken, handelt aber gleichzeitig exakt gegensetzlich, wenn sie ihre toughe, fascht harsche Art zum Vorschein bringt. Damit kommt es vor, dass sie den Fluss von „Melancholia“ zu stören scheint und doch wird es wohl genau das sein, was Lars von Trier mit derart gegensätzlichen Charakteren erreichen wollte: zwei haltlose Frauen, die sich immer wieder die Bälle zuspielen, sie dann voneinander wegkicken, um sich schlussendlich in der Mitte zu treffen und ihn sich einander zu überreichen. Beobachtet vom Planeten Melancholia, der zwar droht, den Weltuntergang zu bringen, gleichzeitig aber auch die beiden Schwestern in ihrer Verzweiflung zusammenführen könnte.

Fast nichtig wirken da die Nebenrollen, die allesamt ordentlich besetzt sind, gegen die emotionale Stärke der Frauenrollen jedoch absolut nichts ausrichten können. Sie werden schlicht und einfach an die Wand gespielt.

Die Handlung als solches ist sicher für einen heimischen Filmabend eine anspruchsvolle und außergewöhnliche. Der Film ist von Dialogen durchzogen und gleichzeitig  gespickt mit einer ebenso beeindruckenden, wie originellen Bildsprache, die ganz klar die Handschrift eines Lars von Trier erkennen lässt. Das Besondere an dem über zweistündigen Filmvergnügen ist vor allem die Richtung, die nie ganz deutlich auszumachen ist. Allzu oft scheint der Film bereits am Ende, nur um noch einmal 20 Minuten Handlung hinten anzuhängen, die einem radikalen Richtungswechsel Folge leistet. Passend hierzu wird der gesamte Film vom “Tristan-Motiv” aus Richard Wagners Oper “Tristan und Isolde” untermalt, das aufgrund seine harmonischen Zusammenstellung für den Musiker undurchsichtig erscheint und damit die ebenfalls unklare Handlungsrichtung bekräftigt. Die Stimmung ist trist und traurig, gleichzeitig lebensbejahend und die Hoffnung nie aus den Augen verlierend. So scheint von Trier, der offen zugab, mit „Melancholia“ seine Depression bebildert und verarbeitet zu haben, die Verzweiflung melancholischer und depressiver Fantasien zum Ausdruck bringen zu wollen, auf der anderen Seite jedoch zu verhindern, dass nach Sichtung des Filmes ebenso depressive Menschen zum Strick greifen.

Damit gelang Lars von Trier ein Meisterwerk auf der Ebene des Kunstfilms. Während die FAZ sich in Sachen Museumsbestückung noch auf den Prolog beschränkte, so wäre es aus meiner Sicht nur angebracht, „Melancholia“ als Ganzem einen Platz in einem Kunstmuseum zu vergönnen. Zwar bleibt das Drama, das wegen seiner Thematik auch in die Science-Fiction-Ecke passt, aufgrund der leisen Töne, die es anschlägt und des komplexen Plotaufbaus ein typischer Kritikerfilm, der seine Fans wohl ausschließlich unter „Zufalls-Sehern“ finden wird, jedoch ist ihm die Aufmerksamkeit des Cineasten sicher. Allein für die allerletzte Einstellung lohnt es sich, diesen Film in seiner Vollendung einfach zu genießen.

 BluRay oder DVD?

Da “Melancholia” vor allem aufgrund seiner Bildsprache funktioniert, sollte dieser Vorzug des Films mithilfe der BluRay-Disc unterstützt werden, wenngleich Bild und Ton der DVD hervorragend sind.Doch die BluRay kommt außerdem mit einem ausführlichen, absolut sehenswerten Making Of in vier Teilen daher. Ein Audiokommentar von Lars von Trier persönlich rundet die BluRay ab, die hiermit von mir empfohlen wird.

Inhalt

Der untergetauchte Sherlock Holmes beobachtet kurz nach einer Bombenexplosion in Straßburg, wie die bereits aus Teil eins bekannte Irene Adler (Rachel McAdams) einem gewissen Dr. Hoffmannsthal (Wolf Kahler) ein Paket überreicht. Holmes schafft es rechtzeitig, das Paket, in dem sich eine Bombe befindet wegzuschaffen und einen darin enthaltenen Brief sicherzustellen, wenn auch es ihm nicht gelingt, Adler oder Hoffmansthal festzuhalten. Doch Holmes ist bereits einer Anschlagsserie auf der Spur, welche er in minutiöser Kleinstarbeit rekonstruierte und allmählich scheint er seinem Erzfeind Dr. Moriarty (Jared Harris) auf die Schliche zu kommen, welchen er für den Übeltäter hält.

Während Dr. Watson kurz vor seiner Hochzeit mit seiner Verlobten Mary (Kelly Reilly) steht und Holmes und Watson gemeinsam seinen Junggesellenabschied feiern, nimmt das Duo die Ermittlungen in der Anschlagsserie auf. Die erste Spur führt zur Zigeunerin Simza (Noomi Rapace), an welche der Brief aus Hoffmansthals Besitz adressiert war. Doch während des zunächst harmlosen Gesprächs wird Holmes plötzlich hellhörig: sie werden belauscht. Und das ist erst der Anfang einer ebenso gefährlichen, wie auch humoristischen Ermittlung, quer durch London.

Kritik

Nachdem Guy Ritchie („Bube, Dame, König, grAs“, „Rock’n'Rolla“) im ersten Teil mit einem actiongeladenen Krimi-Abenteuer die Richtung für diese moderne „Sherlock Holmes“-Adaption vorgab, so schien sie ihm und dem begeisterten Kinopublikum so gut gefallen zu haben, dass er auch im zweiten Teil in dieselbe Kerbe haut. Man möchte fast meinen, dass sich der Cast noch am Tag der Beendigung von Teil eins an den Dreh von „Spiel im Schatten“ wagte, denn wie es bei gelungenen Fortsetzungen auch sein soll, nehmen sich die beiden Teile in Sachen Setting, Kostüme, Musik und Schauspielerleistung nichts. Die Darstellung der britischen Hauptstadt im 19. Jahrhundert ist wie bereits in Teil eins stimmig und die opulente Bebilderung besticht durch dunkle, aber keineswegs allzu düstere Farben. Dennoch kommt „Spiel im Schatten“, wie fast schon der Titel verrät, als insgesamt graueres, fast trüberes Werk daher, das weniger als der erste Teil auf gelungene Mystery-Elemente baut, in der Handlung und Umsetzung dafür wesentlich realistischer erscheint. Besonders in den gedanklichen Rückblenden von Holmes ließen die Macher ihren experimentierfreudigen Gedanken freien Lauf. So leben viele Szenen von visuell experimentellen Einstellungen wie irren Kamerafahrten, häufigem Einsatz von Zeitlupen und beeindruckenden Einblicken in mechanische Vorgänge. Hierzu passt, dass die realistische Handlung einen konsequenten roten Faden verfolgt, die der weniger komplexen Handlung unaufhaltsam folgt. Hierdurch bleiben jedoch teilweise die Charaktermomente von  Downey Jr. und Law auf der Strecke, die in Teil eins für einige Lacher beim Publikum sorgten. Die übrig gebliebenen Momente dieser Sorte, fallen im zweiten Teil dafür ein wenig übertriebener, fast schon Slapstick-artig aus und bestehen nach wie vor aus wortgewandten Rededuellen auf beiden Seiten und aus der Situation komischen Ereignissen. Besonders Robert Downey Jr., der aktuell mit Marvels Superheldenkollegen im rekordträchtigen Blockbuster „The Avengers“ zu sehen ist, bekommt wie üblich seine ganz eigenen Gags auf den Leib geschrieben.  Doch auch Jude Law bekam von Guy Ritchie den einen oder anderen Charaktermoment mehr verpasst, als er ihn in Teil eins schon erhielt. Zudem präsentiert sich die Rolle des Dr. Watson in „Spiel im Schatten“ zunehmend auf Augenhöhe von Holmes und tritt damit endgültig aus seinem Schatten. Während im ersten Teil noch Sherlock Holmes alleine die Oberhand behielt, so erhält er auch in Teil zwei natürlich die höhere Screentime als Watson, verstecken muss sich letzterer hinter dem britischen Detektiv-Idol jedoch nicht (mehr).

Doch um im bevorzugten Repertoire der Holmes’schen Wortwahl zu bleiben: wo Licht ist, da ist auch Schatten. Wie bereits erwähnt, ist die Handlung zum Holmes-Sequel zwar insgesamt straighter als im ersten Teil, dennoch kommt auch „Spiel im Schatten“ nicht ganz ohne Längen daher. Besonders ärgerlich ist das vor allem dann, wenn ohnehin schon zähe Handlungssequenzen mit billiger Effekthascherei zusätzlich gestreckt werden. Die Zuständigen für Explosionen und Pyrotechnik dürften an diesem Blockbuster ihre helle Freude gehabt haben. Ein Handeln nach dem Motto „Weniger ist mehr!“ hätte dem Film allerdings  besser zu Gesicht gestanden.

Dennoch ist „Sherlock Holmes: Spiel im Schatten“ eine gelungene Mischung aus Story, Inszenierung und Effekten, garniert mit einem hervorragenden Score von Hans Zimmer. Gerade letzterer untermalt die viktorianische Kulisse teilweise fast schon mittelalterlich. Doch natürlich ist diese Adaption ausgelegt auf die Sehbedürfnisse und –Gewohnheiten der Zuschauer im 21. Jahrhundert, weswegen Ritchie ohne den straffen Plot und die beeindruckenden „Krawumm“-Momente sicherlich nicht so viel eingenommen hätte, wie er es Ende 2011 tatsächlich tat – mit 40 Millionen US-Dollar am ersten Startwochenende zwar 20 Millionen weniger als sein Vorgänger, doch immer noch genug, um noch lange nicht als Flop dazustehen. Damit ist Ritchies Detektiv-Abenteuer amüsantes Popcorn-Kino der bodenständigen Art, das einen hervorragenden zweiten Teil der (voraussichtlichen) Holmes-Trilogie bildet, wenngleich es für die Bezeichnung „Meilenstein“ noch lange nicht reicht. Dafür benötigt vor allem der zweite Teil einen noch höheren Wiedererkennungswert und sollte auf mehr bauen, als einen grandiosen Iron Man… pardon… Robert Downey Junior und sehenswerte Effekte. Jedoch: ein dritter Teil wird gern gesehen.

BluRay oder DVD?

Zwar kommt die DVD mit gutem Bild und Ton daher, jedoch ist dem Konsumenten hier kaum Bonusmaterial vergönnt. Allerdings enthält die DVD eine kleine Reportage mit dem Schwerpunkt auf den Cast und eine nette, aktuelle Trailershow, jedoch kommt die BluRay mit einem wesentlich opulenteren Inhalt daher, da es unter Anderem ein ausführliches Making Of enthält. Daher verweise ich auf die BluRay und zudem darauf, dass beide Speichermedien aktuell für wenig Geld zu haben sind. Wer es zudem noch etwas auffälliger im DVD-Regal mag und außerdem noch nicht im Besitz des ersten Teils ist, dem empfehle ich das ansehnliche, limitierte Steelbook mit Teil eins und zwei in einem.

Inhalt

Es sollte nicht mehr werden, als ein entspannter Segeltörn mit der Familie. Will Shaw (Henry Cavill) reist nach Madrid, um es sich im Kreise seiner Lieben für ein paar Tage richtig gut gehen zu lassen. Doch relativ schnell wird deutlich: dieser Kurzurlaub soll ganz anders verlaufen, als geplant. Nach einem Streit an Bord verlässt Will kurzerhand das Segelboot. Doch als Will es wenig später in einer verlassenen Bucht treiben sieht, schrillen seine Alarmglocken. Und er soll Recht behalten. An Deck angekommen, findet er anstatt seiner Familie lediglich Blut- und Kampfspuren vor. Allem Anschein nach muss etwas Furchtbares passiert sein. In Panik sucht er die spanische Polizei auf, doch offenbar hat auch sie ihre Finger im Spiel. Versucht sie doch, Will dingfest zu machen und ihn zum Schweigen zu bringen. Gerade als es ihr zu gelingen scheint, taucht wie aus dem Nichts Wills Vater auf. Er kann die Beamten ausschalten und schafft es, sich und seinen Sohn in Sicherheit zu bringen. Er erklärt ihm, was es wirklich mit seiner Existenz auf sich hat. Anstatt des erfolgreichen Unternehmensberaters, als welcher sich Martin jahrelang vor seiner Familie ausgab, war er in Wirklichkeit jahrelang Geheimagent bei der CIA. Nun scheinen seine ehemaligen Kollegen hinter ihm her zu sein, da er in dem Besitz eines geheimnisvollen Koffers ist, der brisante Unterlagen enthält. Unter der Leitung der undurchsichtigen CIA-Stationschefin Jean Carrack (Sigourney Weaver) macht das CIA Jagd auf Martin. Um ihn unter Druck zu setzen, entführte sie schließlich auch seine Familie. Als aus dem Nichts Schüsse fallen, die Martin schwer verwunden, wird deutlich: Seinen Gegnern scheint es verdammt ernst zu sein – todernst!

Kritik

“The Cold Light of Day” scheint auf den ersten Blick keine typische Actionkost vom Fließband zu sein. Für diesen Eindruck sorgt vor allem der vom französischen Regisseur Mabrouk El Mechri („JVCD“) gewählte Drehort Madrid. Mit detaillierten Landschaftsaufnahmen präsentiert sich die spanische Hauptstadt für einen Action-Thriller ungewohnt harmlos. Die Aufnahmen aus der Vogelperspektive zeigen ein Bild von Madrid, das auch ohne weiteres in einen Werbespot für „Urlaub in Spanien“ passen könnte. Doch leider beschränkt sich diese ungewohnte Herangehensweise an einen typischen Männerfilm nur auf die ersten zwanzig Minuten. Nachdem sich die Charaktere mehr oder weniger tiefgründig präsentiert haben, geht es schließlich relativ oberflächlich weiter. Ab dem Zeitpunkt, in dem Will das Verschwinden seiner Familie bemerkt, wendet sich das Blatt in “The Cold Light of Day” und im weiteren Verlauf zeigt sich der Actionfilm in gewohnter Genremanier. Auch hier konzentriert sich die Handlung nun auf einen zum Helden aufgebauten Durchschnittstypen und trotz des groß angekündigten Auftritts von Action-Altmeister Bruce Willis ist der Streifen nichts weiter als eine One-Man-Show des Nachwuchsschauspielers Henry Cavill (“Blood Creek”, “Red Riding Hood”). Doch leider ist dieser auch eine der größten Schwachstellen des actionbeladenen Thrillers.

Dem 29-jährigen Schauspieler gelingt es über die anderthalb stündige Laufzeit nicht, dem Streifen ein Gesicht zu geben, denn bei der oberflächlichen Charakterisierung vom Beginn des Filmes bleibt es. Damit schafft Cavill es nicht, auch nur annähernd eine Figur darzustellen, die einen ähnlichen Wiedererkennungswert hat, wie ihn beispielsweise John McClane in der ”Stirb langsam”-Reihe besaß. Kurzum: Henry Cavill ist als Protagonist Will vollkommen austauschbar. Das ist schade, denn gerade im Zusammenspiel mit Filmpartnerin Lucia (Verónica Echegui) hätte es hie und da lediglich ein paar mehr emotionale Regungen seinerseits benötigt, um der Figur Menschlichkeit zu verleihen.

Ein wenig aus diesem Trott herausbrechen, lässt der Regisseur seinen Schützling allerdings in einigen selbst für das Actiongenre äußerst harten Gewaltszenen. Leider erscheinen die wiederum als billige Effekthascherei, da sie zum  Verlauf der Handlung nicht ansatzweise etwas beitragen.

Das Tempo in “The Cold Light of Day” ist durch die Bank sehr hoch, hebt sich allerdings auch hier wenig von gewohnter Actionkost ab. Der Film erinnert im Laufe der Zeit eben doch sehr an bereits Gesehenes und einzig und allein den Drehort von irgendeiner x-beliebigen, amerikanischen Großstadt ins sonnige Madrid zu verlegen, sorgt für ein wenig Abwechslung. Mit Verónica Echegui, die bislang hauptsächlich in spanischen Produktionen zu sehen war, griff El Mechri auf eine attraktive, wenn auch stereotype, spanische Darstellerin zurück, deren einzige Aufgabe es ist, neben Cavill hübsch auszusehen und von ihm beschützt zu werden. Diese Aufgabe meistert sie allerdings mit Bravour. Gleiches gilt für Sigourney Weaver (“Alien”, “Avatar – Aufbruch nach Pandora”), die ebenfalls in ihrer Rolle brilliert. In ihren wenigen Momenten füllt sie ihre Rolle vollkommen aus und mimt die kaltherzige Geheimagentin, der man zwar persönlich überhaupt nichts abgewinnen kann, was bei ihrer Darstellung der Figur wohl aber auch so gewollt ist.

Wer sich also mit “The Cold Light of Day” ein zweites “Stirb langsam” erhoffte, der wird nicht nur aufgrund von Bruce Willis viel zu geringer Screentime enttäuscht werden. Im Mittelpunkt des Filmes steht ein austauschbarer Jüngling, der sich nicht nur durch Madrid, sondern auch durch große Lücken im Drehbuch kämpfen muss. Die Story ist durchschnittlich, aber wenigstens wartet das Möchtegern-spektakel mit einigen netten Actionsequenzen und der üblichen Effekthascherei, wie explodierenden Gebäuden und sich überschlagenen Autos auf. Das ist alles sehr durchschnittlich, aber die Tatsache, dass Madrid der Story mehr Charakter verleiht als der Hauptdarsteller, rettet ”The Cold Light of Day” davor, wenigstens nicht ganz in der Versenkung zu verschwinden und die ersten zwanzig Minuten sind zumindest sehenswert.

“The Cold Light of Day” ist ab dem 03. Mai 2012 in Deutschlands Kinos zu sehen!

]]> http://buy-a-movie.de/2012/05/the-cold-light-of-day/feed/ 0 http://buy-a-movie.de/2012/04/spy-kids-4d/ http://buy-a-movie.de/2012/04/spy-kids-4d/#comments Mon, 30 Apr 2012 11:18:29 +0000 Antje http://buy-a-movie.de/?p=875 Der normalerweise für blutigere Kost bekannte, texanische Regisseur Robert Rodriguez, entschied sich nach den durchschlagenden Erfolgen der ersten drei “Spy Kids”-Filme dafür, einen vierten zu drehen. Vermutlich, da es so schön in den Titel passt, kam er auf die Idee, neben den mittlerweile Standard gewordenen 3D-Effekten, einfach noch einen weiteren Sinn herauszufordern. Das Zauberwort heißt: “Aromascope”. Und damit erhält der Geruch Einzug in den Kinosaal. Doch ob das so eine gute Idee war, lest Ihr in meiner neusten Kritik.

Inhalt

Marissa Cortez Wilson (Jessica Alba) ist ehemalige Top-Spionin und hat ihren gefährlichen Job zu Gunsten ihrer Familie allerdings schon lange an den Nagel gehängt. Ihren letzten Auftrag erledigte sie hochschwanger und schwor sich nach der Geburt von Töchterchen Maria, mit dem Spionen-Dasein abzuschließen und ihrem Mann und ihren beiden Stiefkindern Cécil (Mason Cook) und Rebecca (Rowan Blanchard), die ihre Stiefmutter so gar nicht leiden können, nichts von ihrer Vergangenheit zu erzählen. Nun wohnt die fast perfekte Familie in einem ruhigen Vorort und alles könnte so schön sein, wenn nicht plötzlich Bösewicht Tick Tock (Jeremy Piven), den zu ergreifen Marissa zuletzt nicht geglückt ist, auftauchen und drohen würde, der ganzen Welt die Zeit zu stehlen. Vorbereitet auf diesen Super-GAU traf Marissa allerdings sämtliche Vorkehrungen und mithilfe eines sprechenden Hundes und diversen High-Tech-Einrichtungen im zunächst normal scheinenden Haus, gelingt es den Zwillingen und Maria, auch als „Spy Baby“ bekannt, zu entkommen und in Highspeed-Flugkapseln in die geheime Spionen-Zentrale zu fliehen. Zu Marissas Verwunderung scheint den Zwillingen der Gedanke, selbst als Junior-Spione bei Tick Tocks Ergreifung mitzuhelfen, ungeheuer gut zu gefallen. So erhalten die beiden ihre Ausrüstung und machen sich mit Roboterhund Argonaut und Mutter Marissa auf, Tick Tock zu ergreifen und die Welt davor zu bewahren, dass ihr die Zeit abhanden kommt. Doch selbige drängt im wahrsten Sinne des Wortes, denn auf der ganzen Welt drehen sich die Uhren immer schneller. Wenn sich das Team nicht beeilt, dann wird sie bald aus sein. Und dann droht auch noch Ehemann Wilbur (Joel McHale), seines Zeichens Spionen-Jäger mit eigener Fernsehshow hinter die wahre Existenz seiner Familie zu kommen.

Kritik

Der von Robert Rodriguez („From Dusk Till Dawn“, „Planet Terror“) mittlerweile vierte Teil der Kinderabenteuerserie um Heranwachsende im Spionagemilieu kommt als flippige Komödie daher, die ganz klar auf das jüngste Kinopublikum zugeschnitten wurde, das die Lichtspielhäuser wohl besuchen dürfte. So setzt man auf eine gehörige Portion Slapstick und drückt in der ohnehin schon temporeichen Inszenierung das Gaspedal zeitweise bis zum Anschlag durch. Dabei geht der Story aber etwa ab der Hälfte der ohnehin schon geringen Laufzeit von gerade einmal 89 Minuten die Puste aus. Zu Gunsten der comichaften Effektorgien, verzichteten die Macher auf jegliche Art von Realismus, wenn auch Rodriguez, der sich bislang ja eher durch mehr oder weniger blutiges Erwachsenenkino einen Namen machte, es sich nicht nehmen ließ, zwischendurch immer mal wieder die Moralkeule auszupacken. Leider wirkt diese Form von Erziehungsauftrag zwischen den klebrig süßen Neonfarben und dem pupsenden Roboterhund derart deplatziert, dass die bemühte Familienzusammenführung, je weiter die Geschichte voranschreitet, immer unglaubwürdiger wird und zum Ende hin in ihrer Vorhersehbarkeit fast schon ironisch wirkt. Wenn auch sich die Darsteller allesamt Mühe geben, in ihren überzeichneten Rollen nicht völlig in die Absurdität abzurutschen. Vor allem den Kinderdarstellern gelingt dies zum Großteil sehr gut.

Doch auch der wenig anspruchsvolle Haupt-Erzählstrang über die Jagd nach Tick Tock hakt an vielen Stellen, die das Kinovergnügen bei jeder Altersklasse trüben dürften. Während die Handlung für das erwachsene Publikum, das ganz klar nicht zur angesprochenen Zielgruppe gehört, zu harmlos und verniedlicht ist, dürften Kinder an der rasant erzählten Geschichte ebenfalls wenig Freude haben, da die Story für ein jüngeres Publikum fast zu abstrakt ist. Zu viele Schauplätze und Bösewichte, einhergehend mit einem abstrusen Finale, das selbst für Rodriguez‘ Verhältnisse noch als „gewagt“ bezeichnet werden dürfte, dämpfen den Filmspaß. Der Streifen dürfte aber noch als Durchschnitt bezeichnet werden, wenn sich Robert Rodriguez nicht mit seiner bahnbrechenden Idee, eine vierte Dimension in den Kinosaal einzuführen, selbst ein Bein gestellt hätte.  Neben der zum Standard gewordenen dritten Dimension, entschied sich der texanische Regisseur, einen weiteren Sinn herauszufordern. „Spy Kids 4D“ wirbt mit der Nutzung des Aromascope – und will damit den Geruchssinn ansprechen. In insgesamt sechs verschiedenen Szenen verspricht eine einfache Pappkarte mit an Rubbellose erinnernden Feldern, das Geschehen auf der Leinwand mit den zur Szene passenden Gerüchen zu untermalen. Blinkt auf der Leinwand eine Nummer auf, so ist der Zuschauer gefordert, das Feld mit der entsprechenden Zahl freizurubbeln, um so in den Genuss des jeweiligen Geruchs zu kommen, der zur dargestellten Szenerie passt. Doch anstelle einer ausgereiften Idee präsentiert sich hier ein großes Debakel. Die Felder riechen alle gleich und schon nach wenigen Minuten durchflutet ein penetranter Kaugummi-Geruch den Kinosaal. Auch sind die überdimensional großen Zahlenangaben auf dem Bildschirm, die zudem noch mit einem akustischen Signal daherkommen, äußerst störend, sodass die Idee der vierten Dimension nicht mal mehr als nettes Gimmick bezeichnet werden kann und „Spy Kids 4D“ hierdurch auch in den Augen der internationalen Kritiker weiter an Ansehen verliert. Womit Robert Rodriguez‘ schlussendlich allerdings nochmal an Boden gut macht, sind verstreute Chameo-Auftritte bekannter Kultcharaktere aus Rodriquez‘ vergangenen Filmen, deren augenzwinkernder Auftritt sich wohl aber lediglich erwachsenen Zuschauern erschließen dürfte.

Damit lässt sich das Fazit ziehen, dass„Spy Kids 4D: Alle Zeit der Welt“ gut gemeinte, aber wenig durchdachte Action-Unterhaltung für Kinder ist. Die Handlung zieht sich einerseits zäh wie Kaugummi, drückt an anderen Stellen allerdings viel zu sehr auf’s Gas, sodass der Film wirkt wie eine Achterbahnfahrt auf dem Jahrmarkt. Je nachdem, wie viel der Zuschauer in dieser Hinsicht verträgt, verlässt er den Kinosaal anschließend mit einem verdrehten Magen, oder angeheitert, aufgrund einiger netter Ideen und Robert Rodriguez‘ grenzenloser Fantasie. Somit dürfte sich der vierte Teil der Reihe perfekt für einen Kindergeburtstag eignen, vielleicht sollten sich die Erwachsenen allerdings vorher überlegen, ob sie ihre Rasselbande nicht vielleicht doch alleine losschicken sollten.

“Spy Kids 4D” ist ab dem 03. Mai in Deutschlands Kino zu sehen!

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Inhalt

Nachdem der ehemals erfolgreiche Musikproduzent Jerome (Til Schweiger) der Hektik Berlins entflohen ist, sucht er Trost und Wärme bei seinen Eltern auf dem Land. Dort verguckt er sich Hals über Kopf in die schöne Reiterin Helena (Mina Tander), die er eines Tages auf einem imposanten Schimmel über das Feld galoppieren sieht. Während er sich in der Annäherung an die Schöne versucht, besucht ihn plötzlich sein guter Freund und ehemaliger Schlagersänger Bruce Berger (Justus von Dohnányi), der es nicht schafft, mit neuer, moderner Hip Hop-Musik bei seinem Manager zu landen und so sein Image aufzupolieren. Nun sucht und findet er in Jerome einen Zuhörer und quartiert sich vorübergehend bei ihm und seinen Eltern ein, weswegen es schon bald zu Missverständnissen zwischen ihm und seiner Mutter kommt: ist Jerome vielleicht schwul?

Immer noch in Berlin, aber auch weiterhin mit Jerome in Kontakt steht Günther (Christian Ulmen), der nun schon eine ganze Weile mit seiner Freundin Susanne (Nadja Uhl) zusammen ist und sich jetzt langsam aber sicher mit der Frage konfrontiert sieht, wie das denn eigentlich war, mit dem Sex und so. Und da wäre ja auch noch Susannes Ex-Mann Roland, der nach einer Gewaltattacke gegenüber Günther immer noch im Knast sitzt. Doch während Günther auf Erotikseiten im Internet rum surft, geht er nebenbei weiter seiner Arbeit als Beamter nach und trifft eines Tages wieder auf Phillipp (Maxim Mehmet), mit dem er einst aufgrund von Hygiene-Vorschriften in Phillipps Laden aneinandergeriet. Doch mittlerweile sind sich die beiden grün und der stolze Ladeninhaber ist auch bald stolzer Vater, denn seine Freundin Nina (Jana Pallaske) erwartet Zwillinge. Während sich die beiden auf das bevorstehende Elterndasein vorbereiten, sucht auch Niklas Trost bei Phillipp, denn nach einer gescheiterten Verlobung mit Freundin Laura (Liane Forestieri), offenbart die ihm eines Abends, dass sie eine Affäre mit dem gemeinsamen Paartherapeuten begonnen hat. Nun sehnt er sich zurück in die Arme seiner Kurzzeitbeziehung Maria Hellström (Inez Bjørg David), die mittlerweile eine gefeierte Schauspielerin ist und somit unerreichbar für ihn scheint.

“Verliebt sein ist das schönste Gefühl, das man haben kann!”

Kritik

„Männerherzen und die ganz, ganz große Liebe“ (oder kurz: „Männerherzen 2“) beginnt ohne Umschweife dort, wo der erste Teil aufgehört hat. Während sich nach dem Abspann des ersten Teils Til Schweiger („Keinohrhasen“, „Kokowääh“), in seiner Rolle des Machos Jerome, vor der Tür seiner Ex-Freundin wiederfindet, um sich mit ihr auszusprechen, so beginnt der zweite Teil exakt an dieser Stelle und löst somit auf, was der Zuschauer nach Teil eins noch nicht wusste: nämlich, wie seine Angebetete reagiert. Doch anstatt auf dieser Storyline aufzubauen, entschied sich Simon Verhoeven („Männerherzen“) dafür, diesen Handlungsstrang nicht weiterzuverfolgen, sondern Til Schweiger einen völlig neuen zu gönnen – eben, indem er ihn abblitzen lässt und er sich daraufhin eine Auszeit gönnt. Diese neue Geschichte steht Til Schweiger gut zu Gesicht, denn während er im ersten Teil noch den totalen Macho raushängen lassen durfte, allerdings hie und da einen eigentlich ganz sympathischen Kerl durchblitzen ließ, so beschränkte man sich nun darauf, eben diese sympathischen Charakterzüge in den Mittelpunkt der Story zu stellen. Man lässt ihn sich mehr oder weniger unglücklich verlieben, denn ausgerechnet sein neuer Schwarm Helena ist aktuell mit einem solchen Kerl verlobt, wie er in Teil eins noch einer war. Pasquale Aleardi („Wo ist Fred?“, „What a Man“), übernimmt nun also die Rolle des oberflächlichen Machos. Doch während er zunächst nur mehr oder weniger unangenehm ist, in Gegenwart seiner Verlobten Helena, die von der zierlichen Schauspielerin Mina Tander („Maria, ihm schmeckt’s nicht!“, „Zeiten ändern dich“) gespielt wird, allerdings einigermaßen handzahm erscheint, baut sich dieser schneller als gedacht zu einem regelrechten Bösewicht auf, der gar nicht so oberflächlich ist, wie es zunächst schien und gen Ende hin mit einer regelrechten 180-Grad-Wendung daherkommt. Das verwundert vielleicht ein wenig, doch gerade dieser Charakterwandel sorgt auch vorab bereits für viele Schmunzler und Pointen. Die Dreiecksgeschichte zwischen Jerome, Helena und Maurizio, wie Aleardi in seiner Rolle eines exzentrischen Schlagerstars heißt, birgt dennoch den verhältnismäßig geringsten Komik-Anteil mit sich und konzentriert sich mehr darauf, den Romantik-Part dieser Romantik-Komödie auszufüllen. Doch besonders die Szenen, in denen Verhoeven mit dem Macho-Image eines Til Schweiger spielt und selbigen auch ganz gern gerade hierdurch auflaufen lässt (Beispiel: Jerome sitzt auf einem winzigen Pony um seine Traumfrau zu beeindrucken, ist allerdings doch noch Schönling genug, um keine Kappe tragen zu wollen), haben ein hohes komisches Potential.

Während Verhoeven, der nicht nur auf dem Regiestuhl Platz nahm, sondern auch das Drehbuch schrieb, Til Schweiger zu einer bodenständigeren Figur machte, pickte er sich diesmal die Rolle des Florian David Fitz („Doctor’s Diary“, „Vincent will Meer“) heraus, um bei ihr komplett gegensätzlich vorzugehen. Er machte aus Niklas, dem im ersten Teil noch typischen Mittdreißiger mit Zukunftsängsten und langsam anklingender Midlifecrisis nun eine wahrlich nicht mehr so bodenständige Figur. Ebenso wie Jerome durch eine Frau entwurzelt – hier von der eigenen -  will er ein neues Leben beginnen und besinnt sich darauf, dass es eine Zeit gab, wo er glücklich war. Maria ist dem Zuschauer bereits aus dem ersten Teil bekannt und auch ihre Rolle wurde weiter entwickelt. Übte sie in „Männerherzen“ noch für ihre erste Filmrolle, so ist sie nun ein gefeierter Filmstar – und für Niklas somit unerreichbar. Doch Phillipps Rat, sich auf einem Internetportal anzumelden, bringt Niklas nur in Maßen Erfolg – anstatt Maria lernt er „nur“ den Vorsitzenden eines Maria-Fanclubs kennen. Zunächst mehr als angewidert zieht sich Niklas zurück, nur um wenig später zurückzukehren, in der Hoffnung, die Fanclubmitglieder könnten ihm helfen, Maria wiederzufinden. Fortan befindet sich Niklas im Schlepptau der Möchtegern-Groupies und wird fast selbst zu einem, denn irgendwie läuft einfach alles schief. Und gerade Letzteres nutzte Verhoeven, um in dieser Storyline das Tempo um ein Vielfaches anzuziehen und damit das des ganzen Films. Teilweise geht dies jedoch ein wenig schief, denn zwar birgt die plötzliche Wandlung vom halbwegs stereotypen Geschäftsmann zum äußerlich irren Stalker viele komischen Momente mit sich, doch leider scheint die Rolle des Niklas dadurch zum Großteil an Glaubwürdigkeit zu verlieren, auch wenn Florian David Fitz sich Mühe gibt, mit wirklich gelungenem Schauspiel seiner Rolle den notwendigen Ernst einzuverleiben. Eine derartige Charakterwandlung ist gewöhnungsbedürftig, insgesamt aber zu verschmerzen, da Fitz es in entscheidenden Momenten schafft, Niklas‘ Charakter aus Teil eins in Teil zwei hinüberzubringen.

Dass man in Punkto Komik allerdings auch auf Altbewährtes zurückgreift, zeigt die Rolle des Bruce Berger, der im ersten Teil der Komödie bereits die absurde Figur schlechthin war und im zweiten Teil nichts von seiner Crazyness einbüßt, trotzdem insgesamt tiefgründiger gezeichnet wurde. Man sieht nicht nur den verrückten Schlagersänger, sondern wird nach und nach Zeuge, des innerlichen Verfalls des Künstlers, der durch sein gespieltes Overacting und seine übertriebene Alltagsdramatisierung aber immer noch eine typische Kunstfigur ist, der man ohne weiteres auch einen eigenen Ableger, in Form eines eigenständigen Films mit ihm in der Hauptrolle zutrauet. Dafür ist sein ganzes Leben einfach viel zu absurd, um ihm nur eine Rolle von vielen zu gönnen. Damit hebt er sich wie bereits in Teil eins von den alltagsnah gezeichneten Mit-Protagonisten ab. Doch gerade hierdurch wird die leichte Deplatzierung des „neuen“ Niklas besonders deutlich: mit Bruce Berger hat man eine überdrehte Figur und einen verrückten Handlungsstrang – der tut dem Film gut und wirkt auflockernd unter den doch weitestgehend ernsten Alltagsproblemen. Mit Niklas nun einen zweiten wenig realistischen Handlungsstrang hinzuzunehmen ist fast zu viel des Guten, auch wenn Florian David Fitz durch seine bereits erwähnte grandiose Darstellung seine Rolle noch ins halbwegs Ernstzunehmende rettet.

Bei den übrigen Protagonisten blieb Verhoeven nun angenehm in der Spur des ersten Teils. Man entschied sich hier mehr für die Weiterentwicklung, als für eine Charakterwandlung und ließ Günther, Phillipp und Roland das bleiben, was sie sind. Ganz „normale“ Menschen mit Alltagsproblemen, die zu lösen allein schon komisch ist. Man setzt viel auf Situationskomik und damit auf klassische „Alltagscomedy“. Denn wie schon Teil eins eindrucksvoll demonstrierte, reicht das tägliche Leben aus, um den Zuschauer zum Schmunzeln zu bringen und vor allem, um sich mit den Rollen zu identifizieren.

Wotan Wilke Möhrings („Soul Kitchen“, „Homevideo“) Darstellung des aggressiven Rolands wurde leider sehr an den Rand der Geschichte gedrängt, doch die wenigen Momente mit ihm im Fokus zählen ganz klar zu den Highlights von „Männerherzen 2“. Er hat es immer noch nicht raus, seine Wutausbrüche unter Kontrolle zu halten und doch ist er in Gedanken ganz bei seinem Sohn, den wiederzusehen sein größter Wunsch ist. Möhring ist mit seinem absolut passenden Äußeren wie geschaffen für die Rolle. Kantig, groß und respekteinflößend. Doch bei keinem trifft der Spruch „Harte Schale, weicher Kern“ wohl so sehr zu, wie bei Roland. Denn eigentlich ist er im Kern ein Guter. Das in den wenigen Momenten so treffend darzustellen, ist Simon Verhoeven vortrefflich gelungen, sodass Roland zum Ende hin sogar noch eine Art „Happy End“ vergönnt ist.

Bleiben noch Günther und Phillipp übrig. Beide erhielten keinen wirklich „neuen Anstrich“, sondern bleiben ganz in ihrem alten „Trott“ – doch dies ist mehr sinnbildlich gemeint, denn man hat den Eindruck, als wären beide Filme sofort hintereinander gedreht worden, oder gar in einem Rutsch. Christian Ulmen („Maria, ihm schmeckt’s nicht!“ „Jonas“) und Maxim Mehmet („Fleisch ist mein Gemüse“, „Unter Nachbarn“) sind mittlerweile einfach vollkommen mit ihren Rollen verschmolzen. Sie haben es drauf, dem Zuschauer zu vermitteln, dass sie die vollkommen verzweifelten, da heillos überforderten Männer mimen, in die jeder Mann (oder auch jede Frau) sich ein Stück weit hineinversetzen kann. Und durch die neuen Ausgangslagen – Nachwuchs bei Phillipp und das bevorstehende „erste“ Mal bei Günther – haben beide neue Aufgaben zu bewältigen.

Abschließend bleibt zu sagen, dass „Männerherzen und die ganz, ganz große Liebe“ dem Vorgänger in nichts nach steht. Nach wie vor sitzen die Pointen und die Gags zünden nahezu alle. Leider hätte Simon Verhoeven sich in Bezug auf seine liebgewonnenen Charakterköpfe (die laut eigener Aussage alle ein Stück weit ihn selbst repräsentieren) ein wenig mehr Bodenhaftung geben und besonders im Hinblick auf die Rolle von Florian David Fitz ein wenig ernsthafter bleiben können. Dadurch nimmt er dem Film ein wenig an Glaubwürdigkeit, wenn auch dieser Punkt sicher unter die Kategorie „Jammern auf hohem Niveau“ fällt. Alles in allem sei gesagt, dass auch der zweite Teil von „Männerherzen“ eine sehr gute Figur unter den in letzter Zeit erschienenen deutschen Komödien macht. Er punktet mit liebevollen Charakteren, einem eingängigen Soundtrack (Anspieltipp: Maroon 5 – „Just a Feeling“) und eindrucksvollen Aufnahmen von Berlin. Ein dritter Teil darf also gespannt erwartet werden.

DVD oder BluRay?

Die DVD punktet mit herausragender Bild- und Tonqualität. Auch auf die Gefahr hin mich zu wiederholen, bin ich mit von DVD-Erscheinungen der letzten Monate mehr als begeistert. Viele machen dem HD-Bild der BluRay Konkurrenz. Vor allem aber begeistert mich bei diesem Exemplar das Bonusmaterial. Den Käufer erwartet ein über eine Stunde langes Making Of, Outtakes, entfernte Szenen und einer Trailershow. Wer kann dazu schon „nein!“ sagen?

Inhalt

Die Unterwäscheverkäuferin Stephanie Plum (Katherine Heigl) ist selbstbewusst und sexy. Doch sie hat ein Problem: sie ist schlichtweg pleite. Von ihren Möbeln und ihrem Auto musste sie sich bereits verabschieden. Nun ist ihre Wohnung leer und ein Job ist erst mal nicht in Sicht. Bis sie eines Tages in der Kautionsagentur ihres Vetters Vinnie (Patrick Fischler) anheuert. Zunächst scheint die Ergreifung der Ganoven leicht verdientes Geld zu sein, doch als sie feststellen muss, dass es sich bei einem der gesuchten Verbrecher um  Joe Morelli (Jason O’Mara) handelt, sieht die Sache schon ganz anders aus. Zwar wurde auf ihn ein Kopfgeld von 50.000 Dollar ausgesetzt, doch bei eben jenem Joe handelt es sich ausgerechnet um Stephanies Jugendliebe. Die Affäre war ebenso intensiv wie kurz und Stephanie hatte sich eigentlich geschworen, mit ihrem Ex nie wieder etwas anfangen zu wollen – in jeglicher Hinsicht. Doch nun winken die Geldscheine und Stephanie hat fortan nur noch ein Ziel: Morelli schnappen und die Kohle einsacken.

Kritik

Was klingt wie eine Mischung aus „Der Kautions-Cop“ und „Miss Marple“ ist in Wahrheit nicht mehr als ein laues Lüftchen im Kinojahr 2012. Die durch „Grey’s Anatomy“ bekannt gewordene Katherine Heigl zeigte bereits in Komödien wie „Beim ersten Mal“ und „Die nackte Wahrheit“, dass ihr das Comedyfach scheinbar ebenso liegt, wie die Rolle in der bereits erwähnten Dramaserie. Überzeugte sie in vorausgegangenen Komödien noch als frische, spritzige Schauspielerin, die ihren Rollen jedes Mal die nötige Portion Schlagfertigkeit und Selbstbewusstsein einhauchte, sie gleichzeitig aber auch ungeheuer charmant erscheinen ließ, so bleibt von diesen Attributen in „Einmal ist keinmal“ nicht mal mehr ansatzweise etwas übrig. Die hanebüchene Story ist von vorne bis hinten unausgegoren, durchschaubar und kann zu keinem Zeitpunkt Spannung erzeugen. Dies liegt vor allem an der äußerst laschen Charakterisierung der Darsteller, allen voran der der Protagonistin, zum anderen aber auch daran, dass die Geschichte so wenig fesselt, dass sie eineinhalb Stunden lang dahin plätschert, ohne dass man das Gefühl hat, dass jemals ein Tief-, geschweige denn einen Höhepunkt erreicht wird. Der Ausgang der Geschichte ist einem schlichtweg egal. Von der groß angekündigten Tollpatschigkeit, die die Protagonistin Stephanie Plum angeblich so sympathisch machen soll, ist bis auf in zwei, drei halbwegs amüsanten Szenen nichts zu sehen. Als wären sich die Schauspieler bereits beim Lesen des Drehbuchs dieser Tatsache bewusst gewesen, spielen sie ihre Rollen ohne jegliches Herzblut. Der Text wirkt aufgesagt und den Dialogen mangelt es an Spritzigkeit und Dynamik.  Sämtliche Gestik und Mimik macht einen gezwungenen Eindruck und die Interaktion der Darsteller untereinander erscheint viel zu oft unfreiwillig komisch. Haarsträubende Dialoge sorgen zwar für das eine oder andere Schmunzeln, allerdings weniger aufgrund von wohl platzierter Komik, als vielmehr, weil sie vor Logiklöchern und Antriebslosigkeit nur so strotzen.  Lediglich in der Riege der Nebendarsteller finden sich ein bis zwei Charaktere, die in ihrer Zeichnung ein herzerfrischendes Bild abgeben. Hierzu gehört Sherri Shepherd (“Precious – Das Leben ist kostbar”) als prollige Straßennutte, sowie ihre Kollegin als versucht patziges Gegenstück. Unter den männlichen Darstellern sucht man leider vergebens nach einem Charakter, an dem man einigermaßen Gefallen finden könnte. Jason O’Mara (“Resident Evil: Extinction”) spielt den Klischee-Macho, der in seinem schmierigen Auftreten zwar perfekt das Bild des gesuchten Verbrechers erfüllt, jedoch nicht den nötigen Sympathiefaktor aufweisen kann der notwendig wäre, damit zwischen ihm und Plum ein wohliges, erotisches Knistern zu verspüren ist. Auch Daniel Sunjata (“Der Teufel trägt Prada”, “Der Womanizer”) hat einen denkbar undankbaren Job: er darf den durchschnittlich gut aussehenden Partner von Plum spielen und mit seinem vorurteilsbehafteten Vornamen „Ranger“ geht er in seiner Belanglosigkeit völlig unter.

In Sachen Spannung ist von „Einmal ist keinmal“ genauso viel zu erwarten, wie in Punkto „Humor“. Zwar bemüht sich der Film, in seiner doch durchweg dunklen Atmosphäre, eine gewisse Grundspannung zu halten, da es allerdings viel zu oft vorkommt, dass anfänglich aufgebaute Suspense-Momente schließlich im Sande verlaufen, wird auch in diesem Punkt aus dem Faktor „Spannung“ allzu oft unfreiwillige Komik. Auch die Musik schafft es hier nicht mehr, den Film nach oben zu hieven, denn die ist ebenso belanglos wie der gesamte Streifen über seine vollständige Laufzeit. Demnach ist „Einmal ist keinmal“ harmlose, seichte Krimi-Unterhaltung, wie es sie bereits unzählige Male vorher zu sehen gab und erinnert von der Machart an ZDF-Krimis, wie sie Sonntags in der Primetime zu sehen sind. Leider mangelt es der spannungsarmen Story durchweg an Witz und Charme. Den Schauspielern fehlt es durch die Bank an Elan und in Sachen Spritzigkeit ist bei dem als „Action-Komödie“ angepriesenen  Streifen nicht eine Sekunde etwas zu spüren. Ohne jegliche Höhe- oder Tiefpunkte plätschert der Film über seine 90 Minuten dahin, ohne wirklich zu unterhalten. Damit hat „Einmal ist keinmal“ seine Wirkung verfehlt – welche auch immer das war.

“Einmal ist keinmal” ist ab dem 19. April 2012 in Deutschlands Kinos zu sehen! 

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Inhalt

Der spanische Professor Robert Ledgard (Antonio Banderas) ist Chirurg in der spanischen Kleinstadt Toledo im Jahre 2012. Nach dem Unfalltod seiner Frau Gal, die durch einen Großbrand entstellt wurde und sich in Verzweiflung über ihren Zustand das Leben nahm, ist er besessen von der Idee, eine neue, robustere Haut für die Menschen zu züchten. Obwohl er es gegenüber seinen Chirurgenkollegen leugnet, ist Ledgard in seiner Testphase bereits über die Tests an Versuchstieren hinaus und beherbergt in seiner großen Villa eine geheimnisvolle Frau namens Vera (Elena Anaya), die allem Anschein nach als lebendes Testobjekt gehalten wird und unter ihrem Ganzkörperanzug die transplantierte, neuartige Haut trägt. Immer in Angst um ihre Haut und ihre Person gestattet Robert es Vera nicht, ihr Zimmer zu verlassen und beobachtet sie tagein, tagaus über Monitore. Doch nach einem Selbstmordversuch Veras, wird nicht nur Ledgards Haushälterin Marilia (Marisa Peredes), die Vera so gut wie nie zu Gesicht bekommt, hellhörig: wer ist die geheimnisvolle Frau, die keine Vergangenheit zu haben scheint und Roberts verstorbener Ehefrau so unheimlich ähnlich sieht? In Rückblenden wird klar: Vera Cruz ist mehr, als nur ein menschliches Versuchsobjekt für Robert Ledgards perverse Forschungen. Sie ist sein Eigen. Seine Erfindung. Sein Heiligtum.

Kritik

Pedro Almodóvar erschuf mit seinem neusten Machwerk eine beunruhigende Charakterstudie über einen Chirurgen, der – besessen von einer Idee, die ihren Ursprung in der totalen Verzweiflung fand – konsequent sein sich selbst gestecktes Ziel verfolgt, ohne sich um die Grenzen der Legalität zu scheren. Alles beginnt mit dem versuchten Selbstmord der geheimnisvollen Vera die, beunruhigend nüchtern, wie intensiv von Elena Anaya (“Lucia und der Sex”, “Van Helsing”) gespielt, wenig effektvoll, dafür umso eindringlicher ihre Verzweiflung über ihr seltsames Dasein zum Ausdruck bringt. Zierlich, in ihrem hautfarbenen Catsuit fast schon hager erscheint Vera, die zu Beginn kaum spricht aber mithilfe von punktgenauem Mimikwechsel und wohlgewählten Sprachfetzen schnell zu einer Figur wird, die gleichermaßen bemitleidenswert wie tough und in ihrer Gefangenschaft auf keinen Fall einzugehen scheint. Sie verkörpert eine starke Frauenfigur, die den Selbstmord lediglich als Anklage gegen ihren Peiniger nutzt und damit vor allem Gefangene ihrer selbst ist, weniger Gefangene Ledgards. Dieser ist in seinem Auftreten sowohl konsequent, gleichzeitig aber auch ungeheuer zerbrechlich und vermittelt kaum das Bild des skrupellosen Entführers – zumindest nicht zu dem Zeitpunkt, wo der Zuschauer sich über die Herkunft Veras noch nicht im Klaren ist. Da “Die Haut, in der ich wohne” das gern genommene “Aufklärung durch Rückblenden”-Schema verfolgt, ändert sich die Grundstimmung, besonders im Hinblick auf den immer mehr zum Antagonisten aufgebauten Chirurgen Ledgard konsequent und so könnte man fast meinen, ab etwa der Hälfte des Films fände ein Genrewechsel statt: aus der tragischen Geschichte um die ominöse Existenz Veras wird im Verlauf fast ein altmodisches Horrormärchen von einem verrückten Wissenschaftler, der sich seine eigene Figur erbaut, wenn auch ich diese These – um Spoiler zu vermeiden – nicht weiter ausführen möchte. Die wenigen Nebencharaktere sind allesamt so schwammig gezeichnet, dass sie für den Handlungsverlauf keine Rolle spielen, dafür aber das agierende Hauptrollenpaar noch mehr in den Fokus der Geschichte rücken.

Fast kammerspielartig scheint die Wahl der Kulisse. Während die Rückblenden sich zum Großteil an verschiedenen Orten draußen abspielen und die Vergangenheit der Figuren beleuchten, spielt das Jetzt fast ausschließlich innerhalb der weißen vier Wänden von Lerdgards Villa. Nie sind mehr als drei Personen auf einmal auf dem Bildschirm zu sehen und es scheint auch nie hektisch zuzugehen. Selbst eine Art Verfolgungsjagd hat durch die farblosen, fast hypnotischen Bilder immer eine ungeheure Ästhetik und innere Ruhe, dass manch einer diese Tatsache als “lahm” abtun könnte. Doch auch die ganze Grundstimmung an sich ist unglaublich ruhig – wirkt fast betäubt. Der spanische Regisseur verzichtete auf schnelle Schnitte, auffällige Musik, verwirrende Licht- oder Farbspiele. Passend zu den sterilen Operationssälen in Krankenhäusern – so wie auch Ledgard einen eigenen innerhalb der Villa besitzt – wird die vollen zwei Stunden über alles, was sich in der Villa abspielen könnte, aber nichts mit den Hauptfiguren beschäftigt, nahezu ausgeblendet. Das sorgt natürlich für eine ungeheure Dialoglastigkeit des Streifens, dennoch bilden hierzu vor allem die mit einer wesentlich höheren Geschwindigkeit gesegneten Rückblendeszenen einen passenden Ausgleich. In diesen füllt die Geschichte all die Wissenslücken auf, die der Zuschauer hat und die einen daran hindern, hinter das Geheimnis von Veras Existenz zu kommen. Ein Blick auf den Tod von Ledgards Frau gehört ebenso dazu, wie die Entführungsgeschichte von Vera und ihre Verwandlung von einer unscheinbaren Person zum größten  Kunstwerk des gestörten Wissenschaftlers. Zudem ist der Gehalt an Gewalt- und Erotikszenen nicht gerade rar gesät. Doch passend zur bereits angeführten Ästhetik schafft es Almodóvar, sogar eine Vergewaltigungsszene irgendwie künstlerisch angehaucht darzustellen. Und wie es für seine Filme üblich ist, kann auch “Die Haut, in der ich wohne” wieder mit einem unheimlich intensiven, wie spannenden Twist aufwarten, der den Zuschauer mit einem unwohlen Gefühl in der Magengegend aus dem Film entlässt. Im Grunde genommen ist der gesamte Streifen ein einziger Twist – verwoben in eine Geschichte, die aus zwei parallelen Sichtweisen erzählt zu einem großen, unheimlichen, aber faszinierendem Ganzen wird. Und erst von Weitem betrachtet, wenn der Abspann beginnt kann sich der Zuschauer ein Bild davon machen, was er die letzten zwei Stunden gesehen hat. Erst jetzt kann er anfangen zu begreifen, wer Vera wirklich ist.

BluRay oder DVD?

Tobis hat sein positives Bild in Sache “DVD-Qualität” auch mit “Die Haut, in der ich wohne” noch einmal bestätigt. Gute Schwarzwerte, beeindruckende Schärfe und eine an HD-Qualität heranreichende Farbsättigung geben ein wunderbares Bild ab. Lediglich in schnelleren Szenen, die sich noch dazu im Dunklen abspielen, kommt es zu leichten Unschärfen. Diese sind aber so rar gesät, dass der Griff zur aktuell noch wesentlich teureren BluRay nicht lohnt und ich somit eine DVD-Empfehlung abgebe. Denn selbige kann noch dazu mit viel Bonusmaterial auftrumpfen. Dazu gehören Interviews mit dem gesamten Cast, mehrere ausführliche Making-Of-Berichte und gekürzte Szenen. Alles in allem ein ansehnliches Produkt, das zu kaufen sich lohnt.

Inhalt

Gegen Ende des zweiten Weltkrieges gelingt es einer Gruppe von Nazis, in riesigen UFOs – den sogenannten Reichsflugscheiben – zum Mond zu fliegen und die dunkle Seite des Erdtrabanten zu besiedeln. Bis 2018 bleibt ihr Existenz unentdeckt, bis eines Tages auf einmal der Afroamerikaner James Washington (Christopher Kirby) auf dem Mond landet um hier Promotion für die Wiederwahl der amtierenden Präsidentin von Amerika zu machen. Ganz nach dem Motto „Black to the Moon“ versucht diese mit allen Mitteln, auch weiterhin das Amt zu bekleiden, sucht bislang jedoch vergeblich nach einer Strategie, mit welcher ihr dies auch gelingen mag. Während Washington den Werbebanner für die Dame auf dem Mond ausrollt, wird er von Nazis überrascht, anschließend in die hakenkreuz-förmige Zentrale gebracht und dort verhört. Wie sich hier durch einen Zufall herausstellt, ist es ausgerechnet die Rechenleistung von Washingtons Smartphone, welche in der Lage wäre, das Kampfschiff „Götterdämmerung“ in Gang zu setzen und mit Hilfe welches die Nazis endlich ihren Angriff zur Erde starten könnten. Die korrekte, von der Naziideologie überzeugte Renate Richter (Julia Dietze) ist beeindruckt von dem Erdenbewohner – sieht sie sich doch in ihrer Lehrerrolle als die Erd-Expertin schlechthin und erhofft sich von dem Fremden Insiderinfos. Gemeinsam mit ihrem von Allmachtsfantasien zerfressenen Gatten Klaus Adler (Götz Otto), der sich nichts mehr herbeisehnt, als den Tag, an dem er in die Fußstapfen des amtierenden Führers Wolfgang Kortzfleisch (Udo Kier) treten wird, will Renate zur Erde reisen, um dort noch mehr Smartphones zu finden, damit das von langer Hand geplante Projekt der Weltherrschaft endlich in Angriff genommen werden kann. Hilfe erhoffen sich die beiden von Washington, nach der Verabreichung eines Albinoserums mittlerweile erblichen und in einer Naziuniform steckend einem Arier verblüffend ähnlich sieht.  Auf der Erde angekommen muss Renate jedoch feststellen, dass das Nazi-Dasein nicht annährend etwas mit dem zu tun hatte, was sie all den Jahren ihren Pimpfen und Mädchen auf dem Mond gelehrt hat. Sie entdeckt die Gefährlichkeit der Ideologie und sieht es nun als ihre Aufgabe, ihren Gatten von seinem gefährlichen Plan abzuhalten. Doch das ist leichter gesagt als getan, denn Klaus ist wie besessen von seiner Idee und selbst die Präsidentin befindet sich mittlerweile auf seiner Seite. Als schließlich der Meteorblitzkrieg ausgerufen wird, scheint endgültig alles zu spät.

Kritik 

Einen Film zu drehen, in welchem die Naziideologie und die Umtriebe selbiger die zentrale Hauptrolle übernehmen, kann schnell zu einer Gradwanderung zwischen Kunst und Geschmacklosigkeit werden. Doch wie bereits Quentin Tarantino 2009  mit seiner Uchronie „Inglourious Basterds“ eindrucksvoll bewies, kann sich die Zeit des Holocaust nicht nur als Bestandteil von diversen Betroffenheits-Werken und Dramen eignen, sondern mit der richtigen Portion Selbstironie und Augenzwinkern auch hervorragend als Grundlage für abgedrehte Komödien funktionieren. „Iron Sky“ schafft es gekonnt, die Idiotie der Naziideologie auf die Spitze zu treiben, indem es den Mythos der Existenz von „Reichsflugscheiben“ aufgreift und die Vorstellung so weit spinnt, wie es nur irgendwie geht.  Von dem Stützpunkt „Schwarze Sonne“, der klischeebedingt selbstverständlich in Hakenkreuzoptik erbaut wurde, über die Gehirnwäsche mit Hilfe alter Hitler-Reden, bis hin zur Entwicklung eines Bleichmittels für Dunkelhäutige, wurde in keiner Sekunde an der Vorführung der Nazis gespart. Renate Richter spielt ihre Rolle als Verfechterin der „guten Nazis“ so brillant naiv, dass man ihr das Böse zu keinem Zeitpunkt abnimmt. Dementsprechend wird ihr die Rolle des Protagonisten im Laufe des Films zu Teil, zumal bei ihr auch die stärkste Charakterwandlung während der Handlung festzustellen ist. Den Gegenpol bietet ihr der „Vorzeige-Extremist“ Klaus Adler, gespielt von Götz Otto, der sich seine Partnerinnen nach Arier-Prozentsatz aussucht und  sich bei keiner Gelegenheit den Hitler-Gruß, oder das Genießen der Nazi-Hymne nehmen lässt. In seiner formvollendeten Arroganz sorgt er zwar nicht gerade für Sympathie-Bekundungen seitens des Publikums, für seine Rolle allerdings kann man sich kaum eine bessere Besetzung vorstellen. Dadurch wird die zunächst neutrale Rolle des Klaus Adler nach und nach zu einem Antagonisten aufgebaut und entwickelt sich ähnlich intensiv wie die der Renate Richter, wenn auch in die komplett gegensätzliche Richtung. Udo Kier ist als amtierender Führer Wolfgang Kortzfleisch verhältnismäßig selten auf der Leinwand zu sehen, geht allerdings voll und ganz in seiner Rolle auf und schafft es gekonnt, alle negativen Charakterzüge eines Führers zu vereinen und damit sämtliche Antipathien auf sich zu ziehen, wenn auch er sich diese gleichermaßen mit Götz Otto teilen muss. Stephanie Paul brilliert als überdrehte, nicht mit herausragender Intelligenz gesegnete Präsidentin, die nicht nur äußerlich, sondern vor allem in ihrer überspitzen Darstellung stark an Sarah Palin erinnert und damit bereits im Vorfeld der Veröffentlichung für Kontroversen sorgte.

Neben seiner Verballhornung der Nazi-Ideologie kann „Iron Sky“ mit – für ein B-Movie -  hochklassigen Effekten aufwarten. Vor allem ist eine deutliche Ähnlichkeit zu Science-Fiction-Klassikern wie „Star Wars“ oder „Star Trek“ zu erkennen. Von der Aufmachung der Kampfszenen her dürfte der Streifen somit vor allem Fans der klassischen Weltraum-Action zufriedenstellen. Gleiches gilt für die Musik, die zum Teil stark an die Scores bereits erwähnter Weltraum-Epen erinnert und „Iron Sky“ damit noch einen Tick ansprechender gestaltet. Überhaupt lassen sich neben diesen noch viele weitere Ähnlichkeiten zu bereits gesehenen oder gehörten Stücken feststellen, die immer punktgenau platziert sind und die Szenerie zu jedem Zeitpunkt ironisch unterstreichen. Aufgrund der vielen bissigen Anspielungen auf das vergangene sowie aktuelle Weltgeschehen und der sich zu keinem Zeitpunkt ernst nehmenden Handlung könnte „Iron Sky“  auch bei der Zuschauerschaft für viel Wirbel sorgen. Dennoch eilt der ersten „richtigen“ Regiearbeit von Timo Vuorensola, der bislang vor allem durch seinen erfolgreichen No-Budget-Internetfilm „Star Wreck“ Aufmerksamkeit auf sich zog,  der Kult-Status bereits voraus. Anteilig von Fans finanziert umgibt den absurden Action-Comedy-Streifen bereits vor Kinostart eine beachtliche Fangemeinde.

Kurzum: „Iron Sky“ bietet bitterböse Satire, gepaart mit Blödel-Humor und Action, die für die geringen Budget-Verhältnisse ein Augenschmaus sind. Für die Thematik notwendig sind selbstverständlich gewisse geschichtliche Vorkenntnisse, damit auch wirklich jeder Gag zündet. Fans von absurdem Kino, das gerne mal über die Stränge schlägt und es mit der political correctness nicht so ernst nimmt, werden mit „Iron Sky“ bestens bedient. Das Tüpfelchen auf dem i bietet der augenzwinkernde Soundtrack, der zwar aus bereits Bekanntem zusammengeschustert wirkt, jedoch sämtliche Szenerien perfekt unterstreicht und aus dem großen kurzum großartiges Kino macht. Kultstatus nicht ausgeschlossen!

Iron Sky ist ab dem 05. April 2012 in Deutschlands Kinos zu sehen!

Inhalt

Agent Clarice Starling (Julianne Moore) ist zehn Jahre nach dem Zusammentreffen mit dem psychopathischen Serienkiller Dr. Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) der Durchbruch beim FBI immer noch nicht gelungen. Bei einer Schießerei im Drogenmilieu entsteht durch einen Fehler ihrerseits ein Blutbad und die letzte Chance auf eine große Karriere scheint somit dahin. Umso aufmerksamer verfolgt sie daher weiterhin jede Spur, die auf den aktuellen Aufenthaltsort von Dr. Hannibal Lecter hindeuten könnte; ihrem Erzfeind, vor dem sie nach wie vor gleichermaßen Angst hat, wie auch fasziniert ist. Sie hört von Mason Verger (Gary Oldman), einem schwer entstellten, aber millionenschweren ehemaligen Opfer von Dr. Lecter. Bei einem Treffen der bekennenden Sadomasochisten hatte Dr. Lecter Mr. Verger einst unter Drogen gesetzt und ihn im Rausch dazu bringen können, sich mit einer Glasscherbe sein Gesicht abzuschälen, um es an die Hunde zu verfüttern. Mr. Verger ist der Einzige, der die sadistischen Ausführungen des Hannibal Lector überlebte. Hasserfüllt und voller Rachegelüste setzte es sich Verger so zum Ziel, Dr. Lecter von seinen Komplizen schnappen zu lassen und ihn den Qualen auszusetzen, die er einst durchleben musste. Doch nicht nur Verger ist hinter Hannibal her. Auch der italienische Kommissar Rinaldo Pazzi (Giancarlo Giannini), der auf die Belohnung aus ist, die ihm bei der Ergreifung Hannibals zusteht, ist auf der Suche nach dem gefährlichen Verbrecher. Doch Dr. Hannibal Lecter ist gewiefter als gedacht und seine Brutalität erreicht Ausmaße, wie sie in der Form noch kein Mensch zu erleben vermochte.

“Ich muß Ihnen gestehen, daß ich ernsthaft in Erwägung ziehe, ihre Frau zu verspeisen!” 

Kritik

„Hannibal“ ist vom Erscheinungsdatum her der zweite, chronologisch gesehen jedoch der vierte und somit letzte Teil der Reihe von Thomas Harris, aus der 1991 „Das Schweigen der Lämmer” hervorging und Weltruhm erlangte. Im zweiten Teil nun, der die direkte Fortsetzung zum Klassiker bietet, gibt es ein Wiedersehen mit Anthony Hopkins („Das Schweigen der Lämmer“, „Ich sehe den Mann deiner Träume“), der für diesen zweiten Teil wieder verpflichtet werden konnte. Nach wie vor geht er in seiner Rolle des Psychopathen Dr. Hannibal Lecter voll und ganz auf und besticht durch ausgefeilte Mimik und ein unheimliches Erscheinungsbild. Gleichzeitig versteht er sich als kultivierter und hochintelligenter Killer, der gerade durch dieses Paradoxon zusätzlich an Gefährlichkeit gewinnt. Für diese intensive Darstellung eines Serienkillers wurde Anthony Hopkins für mehrere Preise nominiert, konnte jedoch keinen für sich verbuchen. Selbiges gilt für Julianne Moore („Children of Men“, „Crazy, Stupid, Love”), die Jody Foster, die Clarice Starling im ersten Teil spielen durfte, beerbt, jedoch von Beginn an als Erstbesetzung gehandelt wurde und somit keinesfalls eine Art „Notlösung“ ist. Entgegen vieler Kritikermeinungen spielt Julianne Moore die Rolle der Clarice ebenso gekonnt wie ihre Vorgängerin und die Rolle büßt zu keinem Zeitpunkt an Glaubwürdigkeit oder Intensität ein. Zudem ist eine leichte Ähnlichkeit der beiden nicht zu leugnen und durch das wesentlich weiblichere Auftreten der Julianne Moore gewinnt die Rolle der Clarice Starling nicht unwesentlich an Glaubwürdigkeit. Der entstellte Mason Verger wird von Gary Oldman („Harry Potter und der Gefangene von Askaban“, „Red Riding Hood“) gespielt, der durch die furiose Arbeit der Make Up-Artists zu keinem Zeitpunkt als Oldman zu erkennen ist und mit seiner angsteinflößenden Fratze zum Fürchten aussieht. Dennoch bekommt die eigentlich bemitleidenswerte Figur des verstümmelten Mason Verger durch das intensive Spiel eine Boshaftigkeit, die der des Dr. Lecter in nichts nachsteht. Drei derart charakterstarke Rollen in einem Film aufeinandertreffen zu lassen, ergibt ein Feuerwerk der schauspielerischen Glanzleistungen und ist damit schon ein würdiger Nachfolger von „Das Schweigen der Lämmer“. Auch die Nebendarsteller spielen ihre Rollen gut, werden allerdings von den Hauptdarstellern durchgehend gegen die Wand gespielt, wenn man auch darüber streiten könnte, ob Gary Oldman nun ein Neben- oder Hauptdarsteller ist.

Die dichte Atmosphäre, die in keiner Situation Spaß macht oder den Zuschauer beim Ansehen erfreut, scheint eins zu eins aus „Das Schweigen der Lämmer“ übernommen zu sein. Gilt „Das Schweigen der Lämmer“ hauptsächlich bei Fans als unvergleichlich in seiner atmosphärischen Intensität, die vor allem durch die knallharten, wie auch eindringlichen Gespräche der Hauptdarsteller entsteht, so baut „Hannibal“ weniger auf Dialoge, als auf Bildsprache. Zusammen mit der unvergleichlichen Musik bietet der Film bislang in der Form ungesehene Bilder, die an Eindringlichkeit und Terror kaum zu übertrumpfen sind. Letzterer entsteht nicht durch möglichst viel Blutvergießen, sondern durch Szenarien, die an Gewalt- und Brutalitätsgrad eine neue Reichweite erlangen. Zu Opernklängen und klassischer Musik, die die Kultiviertheit von Dr. Lecter unterstreichen, wird Gewaltfantasien freien Lauf gelassen, die zwar von jüngsten Torture-Porn-Movies bereits weit überboten wurden, jedoch gerade durch ihre Ruhe und als „normal“ verkauften Abläufe weit über bereits Gesehenes hinausgehen. Gerade für Freunde des absurden Horrorkinos, die allerdings Wert auf eine stimmige Handlung legen und durchaus kulturinteressiert sind, ist „Hannibal“ wie gemacht. Zwar hat „Hannibal“ keine Chance, einen vergleichbaren Kultstatus zu erreichen, wie „Das Schweigen der Lämmer“, vor allem liegt dieser Umstand allerdings daran, dass der Faktor „Fortsetzung“ wie ein Schatten über dem Film liegt und er nicht in der Lage ist, aus diesem, wie auch aus dem Schatten des ersten Teils hervorzutreten. Dennoch ist „Hannibal“ eine mehr als würdige Fortsetzung. Angereichert mit einer Spur mehr Gewalt, verfeinert mit rasanten Kamerafahrten, schnellen Schnitten und einem gleichzeitig unheimlichen, wie furiosen Soundtrack. Schauspielerische Glanzleistungen und ein mehr als überraschender Twist am Ende des Films runden dieses von Fans stiefmütterlich behandelte Meisterwerk ab. Starke Nerven sind allerdings von Nöten, um in den Nächten nach dem Anschauen des Films nicht von Dr. Hannibal Lecter zu träumen.

BluRay oder DVD?

Die DVD-Qualität bietet ein sehr gutes Bild und ebenso guten Ton. Aktuell bietet es sich an, bei Angeboten zuzugreifen, die die Vervollständigung der Reihe von Thomas Harris sowohl günstiger, als auch einfacher zu gestalten. Daher gebe ich eine DVD-Empfehlung ab und weise gleichzeitig auf die „Doppelschocker“-Variante hin, die neben „Hannibal“ auch „Hannibal Rising“, den ersten Teil der vierteiligen Reihe bietet.